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title: "Entrevista a la bailarina y coreógrafa Gianna Posanzini"
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description: "Comunicación corporal: una charla con la bailarina y coreógrafa sobre su pasión, el ritmo y el arte de la creación en movimiento."
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date_published: "2026-08-04T10:00:00-03:00"
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author_name: "Pedro Daniel Platini"
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# Entrevista a la bailarina y coreógrafa Gianna Posanzini

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🎭 Eje 1: Gianna como Bailarina y Coreógrafa  
​Este bloque busca explorar su evolución técnica, la transición entre interpretar y crear, y su visión del cuerpo como lenguaje.

**1) ​Del movimiento propio al de los demás:**  
**​Suele decirse que para bailar se necesita el cuerpo, pero para coreografiar se necesita la mirada. ¿En qué momento sentiste que tenías la necesidad de dejar de ser solo intérprete para empezar a diseñar y mover los cuerpos de otros?**

Creo que ese punto de inflexión llegó durante mi formación en la carrera de danzas de Reina Reech. Como trabajo final, tuve que presentar una tesis que consistía en crear una obra de danza completamente desde cero: pensar una idea, desarrollarla, elegir la música, construir el movimiento y dirigir a los bailarines para que esa propuesta cobrara vida. Hasta ese momento, siempre me había identificado principalmente con el rol de intérprete, pero ese proceso me abrió una puerta que no sabía que existía.

Lo que más me impactó fue descubrir la satisfacción que genera ver plasmado en otros cuerpos aquello que primero imaginaste en tu cabeza. Darle forma a una idea, encontrar el lenguaje para transmitirla y ver cómo, poco a poco, cada bailarín la hacía propia fue una experiencia profundamente enriquecedora. Ahí entendí que la coreografía también es una forma de contar historias y de comunicar emociones.

Por supuesto, fue un camino que exigió muchísima responsabilidad, paciencia y compromiso. Crear no es solamente tener una buena idea; implica escuchar, probar, equivocarse, volver a empezar y acompañar a cada persona en el proceso. Justamente eso resultó ser lo más hermoso. Cuando finalmente vi la obra terminada, sentí una felicidad enorme y confirmé que, además de bailar, también quería crear. Ese proyecto marcó el comienzo de una faceta que hoy disfruto y valoro profundamente.

**2) ​Versatilidad y disciplina:**  
**​Como bailarina transitás diversos estilos y exigencias. ¿Cómo encontrás tu propio lenguaje coreográfico en medio de tantas influencias y cómo cuidás tu cuerpo para sostener esa intensidad a lo largo del tiempo?**

Creo que mi lenguaje coreográfico se fue construyendo de manera muy natural a partir de todo lo que viví en la danza desde muy chica. Empecé a bailar a los tres años y, desde entonces, fui absorbiendo información de muchísimos estilos: danza clásica, contemporánea, jazz, tap, ballroom, tango, folklore, urbano y tantos otros. Cada uno me dejó herramientas, maneras distintas de moverme, de interpretar la música y de entender el cuerpo. Por eso, siento que hoy mi forma de crear es el resultado de todo ese recorrido.

No creo que exista una única manera de coreografiar. Los pasos ya existen, pero lo que hace diferente a una obra es la forma en que cada uno los combina, los resignifica y les da una intención. A mí me gusta mucho fusionar estilos, tomar un poco de cada uno y construir algo que tenga identidad propia. Más que buscar un único lenguaje, siento que mi lenguaje se alimenta permanentemente de todas esas influencias. Es un proceso de retroalimentación constante: todo lo que aprendo enriquece mi forma de crear y, al mismo tiempo, cada nueva creación transforma mi manera de mirar la danza.

En cuanto al cuidado del cuerpo, para mí la clave está en la continuidad. El cuerpo necesita movimiento constante. Lo comprobé en carne propia cuando, por momentos de frustración, llegué a pensar que tal vez la danza no era para mí y estuve un tiempo sin bailar. Volver fue muy difícil: el cuerpo lo siente, cuesta recuperar la resistencia, la flexibilidad y la confianza. Pero, sobre todo, entendí cuánto me hacía falta bailar. Ahí confirmé que la danza no era solo una actividad en mi vida, sino una parte fundamental de quien soy.

Por eso, intento no dejar nunca la danza para después. Más allá de mis otras responsabilidades, siempre encuentro un espacio para entrenar y mantenerme activa. Claro que también es importante descansar, alimentarse bien y escuchar al cuerpo, pero creo que el verdadero secreto está en la constancia. Y si pudiera darle un consejo a quienes recién empiezan, sería que no se limiten a un solo estilo. Animarse a conocer diferentes lenguajes enriquece muchísimo, porque cada experiencia suma herramientas y, tarde o temprano, todas terminan formando parte de la identidad artística de cada bailarín.

**3) ​La transmisión de la pasión:**  
**​A la hora de montar una obra o una rutina con otros bailarines, ¿qué es lo que más te cuesta transmitir: la técnica o la intención/emoción detrás de cada paso?**

Antes que nada, creo que es importante hacer una diferencia. Para mí, coreografiar va mucho más allá de crear una secuencia de pasos para una clase. Una coreografía puede ser una herramienta de entrenamiento, pero cuando hablo de coreografiar una obra, hablo de imaginar una historia desde cero, pensar qué quiero contar, qué sucede en cada momento, cómo evoluciona cada escena y de qué manera el movimiento puede transmitir todo eso. Es un proceso creativo mucho más amplio y profundamente apasionante.

Durante la creación de mi primera obra entendí que lo más desafiante no era enseñar los pasos. La técnica siempre se puede trabajar, corregir y mejorar con ensayo y dedicación. Lo que realmente requiere tiempo es lograr que un grupo de bailarines respire la obra de la misma manera, que se conviertan en un solo cuerpo cuando la propuesta lo necesita. Soy muy exigente con eso: me gusta que exista una verdadera unidad, que los movimientos tengan la misma intención, la misma energía y el mismo compromiso. Alcanzar esa precisión implica repetir, corregir y volver a empezar tantas veces como haga falta.

Y después está la emoción, que creo que es la parte más personal de todas. Como coreógrafa puedo explicar qué quiero transmitir, mostrarlo con mi propio cuerpo y acompañar a los bailarines en esa búsqueda, pero la manera en que cada uno siente e interpreta ese movimiento siempre será única. Esa sensibilidad no se impone, se descubre. Tal vez por eso sea una de las partes más complejas, pero también una de las más lindas del proceso.

Coreografiar me enseñó que la paciencia es tan importante como la creatividad. Hay días en los que las cosas simplemente no salen y hay que volver a intentarlo una y otra vez. Es un camino que exige mucha dedicación, pero cuando finalmente ves la obra terminada y sentís que todos cuentan la misma historia desde el escenario, entendés que cada ensayo valió la pena.

**4) ​El arte en la región:**  
**​¿Cómo ves hoy la escena de la danza en el Litoral? ¿Sentís que hay oportunidades para los nuevos talentos que quieren dedicarse profesionalmente a la coreografía y al baile?**

Creo que el Litoral tiene un potencial artístico enorme y muchísimo talento. Hay bailarines, docentes y coreógrafos de un nivel altísimo, y eso me llena de orgullo porque demuestra que no hace falta nacer en una gran ciudad para formarse y crecer como artista. Al mismo tiempo, creo que todavía hay mucho por hacer para que quienes eligen esta profesión puedan desarrollarse plenamente sin tener que irse de su lugar de origen.

También creo que es importante valorar y cuidar los espacios que hoy existen. En mi caso, formar parte del Ballet Contemporáneo del Chaco es una experiencia que agradezco muchísimo. Es un lugar donde puedo desarrollarme profesionalmente, seguir aprendiendo y, además, vivir de lo que amo. Son espacios que requieren mucho compromiso y que, a mi entender, merecen ser acompañados y fortalecidos, porque representan una oportunidad muy valiosa para los artistas de nuestra región.

¿Hay oportunidades? Sí, las hay, pero muchas veces también hay que salir a buscarlas. Creo que ningún camino artístico se construye esperando que las oportunidades lleguen solas. Hay que capacitarse constantemente, entrenar, animarse a conocer diferentes estilos, adquirir herramientas y, muchas veces, generar los propios proyectos. Todo ese recorrido es el que termina abriendo puertas y construyendo una carrera.

Quizás una de las diferencias con ciudades como Buenos Aires es que allí existe una industria artística mucho más amplia, con más obras, compañías y propuestas laborales vinculadas a la danza. En el Litoral todavía queda camino por recorrer en ese sentido, para que cada vez más personas puedan entender que bailar también es una profesión y un trabajo. Sin embargo, soy optimista. Veo una generación de artistas con muchísimo talento, compromiso y ganas de crecer, y creo que, si seguimos apostando a la formación, a los proyectos independientes y al fortalecimiento de los espacios culturales que ya existen, el futuro de la danza en nuestra región tiene muchísimo potencial.

👑 Eje 2: Carnaval de Corrientes, Ará Berá y Embajadora Cultural  
​Este bloque apunta a la identidad, el sentido de pertenencia, la exigencia de representar a un ícono como el Rayo y la responsabilidad institucional de comunicar la fiesta.

**5) ​La mística del Rayo:**  
**​Representar a Ará Berá implica llevar una camiseta con una pasión comparable a la del fútbol. ¿Qué significa para vos el 'sentimiento araberacero' y cómo cambia la forma de bailar cuando entrás a la calzada con esa comparsa?**

Representar a Ará Berá es difícil de explicar con palabras, porque es una emoción que se vive y se siente. Cada vez que escucho la música de la comparsa y llega el momento de entrar a la calzada, algo especial sucede. Es una mezcla de adrenalina, orgullo, felicidad y una euforia inmensa que hace que, por unos minutos, todo lo demás desaparezca. Uno se siente enorme. Es una sensación única, de esas que quedan para siempre en el corazón.

Creo que el sentimiento araberacero se construye desde un profundo sentido de pertenencia. No se trata solo de bailar una coreografía o de vestir un traje; es contar una historia, representar una identidad y compartir una pasión con miles de personas. Cuando comprendes esto, la manera de bailar cambia por completo. Cada paso tiene otra fuerza, otra intención y otra entrega, porque ya no bailas solo por ti, sino también por todos los que sienten esos colores como parte de su vida.

El carnaval me regaló algunos de los momentos más felices de mi camino artístico y personal. Haber representado a Ará Berá, y más adelante, haber sido Embajadora Cultural del Carnaval de Corrientes, son experiencias que marcaron mi vida para siempre. Son recuerdos que llevo con mucho orgullo y gratitud, porque me permitieron ser portavoz no solo de mi comparsa, sino también de una de las expresiones culturales más importantes de nuestra provincia.

Cada vez que regreso a la calzada, siento la misma emoción que la primera vez. Esa pasión sigue intacta y me recuerda por qué elegí este camino. Para mí, Ará Berá no es solo una comparsa: es una parte fundamental de mi historia, de mi identidad y de mi corazón.

**6) ​La exigencia física del corso:**  
**​La gente ve la fiesta, el brillo y la sonrisa, pero pocos saben la preparación física y mental que requiere desfilar noche a noche. Como coreógrafa y bailarina profesional, ¿cómo planificás la resistencia para rendir al 100% en el corsódromo?**

Creo que una de las cosas que más sorprende a quienes nunca vivieron el carnaval desde adentro es que detrás de esos minutos en la pista hay meses de preparación. La gente ve el brillo, el traje, la sonrisa y la fiesta, pero hay muchísimo trabajo físico y mental para llegar a ese momento en las mejores condiciones.

En mi caso, el entrenamiento nunca empieza cuando comienza la temporada de carnaval. Intento mantenerme activa durante todo el año, ya que considero que el cuerpo necesita continuidad. Entreno, bailo, trabajo la resistencia, la fuerza y la movilidad, pero también le doy mucha importancia al descanso y a una buena alimentación. Todo eso forma parte del rendimiento. No existe una fórmula mágica; existe la constancia.

Además, hay una preparación mental muy importante. El carnaval implica sostener la energía durante muchas noches consecutivas, independientemente del cansancio o de cómo haya sido la semana. Cuando suena la música y entrás a la pista, todo eso queda de lado y aparece una energía difícil de explicar. El compromiso con la comparsa, con el público y contigo misma hace que siempre quieras dar tu mejor versión, porque cada desfile es una oportunidad única para representar algo que amás profundamente.

**7) ​Ser la voz y la imagen del carnaval:**  
**​Cuando fuiste elegida Embajadora Cultural del Carnaval, tu rol pasó a ser también institucional y comunicativo. ¿Qué fue lo más desafiante de llevar el Carnaval de Corrientes más allá de la provincia y qué mensaje sentías que debías transmitir?**

Ser Embajadora Cultural del Carnaval de Corrientes fue uno de los mayores honores de mi vida. Hasta ese momento, mi forma de representar esta celebración era principalmente a través del baile, pero ese rol me invitó a hacerlo también mediante la palabra, el diálogo y la posibilidad de acercar nuestra fiesta a personas que muchas veces no la conocían en profundidad.

Lo más desafiante fue asumir la responsabilidad de representar una celebración que forma parte de la identidad de toda una provincia. Sentía que cada entrevista, cada viaje y cada encuentro eran oportunidades para mostrar que el carnaval correntino es mucho más que un espectáculo. Detrás de cada comparsa hay historia, trabajo y familias enteras comprometidas durante todo el año, así como artistas, músicos, diseñadores, artesanos y muchas personas que hacen posible esta fiesta.

El mensaje que siempre intenté transmitir es que el carnaval es cultura. Es una expresión artística que nos identifica, que genera pertenencia y emociona a quienes la viven desde adentro, así como a aquellos que la descubren por primera vez. Haber podido ser una de las voces que difundió ese mensaje es algo que siempre voy a agradecer.

**8) ​Trascendencia y legado:**  
**​Mirando en retrospectiva tu camino en el carnaval —desde tus primeros pasos hasta el rol de embajadora y referente—, ¿qué huella te gustaría dejar en las futuras generaciones de bailarines y pasistas correntinos?**

Más que pensar en un legado basado en logros, me gustaría que la huella se relacionara con los valores. Ojalá quienes vienen detrás puedan ver que los sueños se construyen con trabajo, disciplina y mucha constancia. Nada de lo que viví en el carnaval llegó de un día para otro; fue el resultado de muchos años de formación, esfuerzo y amor por lo que hago.

También me gustaría que las nuevas generaciones comprendan que bailar en una comparsa es mucho más que aprender una coreografía. Se trata de representar una historia, respetar una tradición y formar parte de algo mucho más grande que uno mismo. Cuando se entiende esto, la manera de vivir el carnaval cambia por completo.

Si algún día alguien recuerda mi paso por el carnaval, me gustaría que fuera por haber transmitido pasión, compromiso y respeto por este arte. Y, sobre todo, por haber demostrado que se puede disfrutar del camino sin dejar de prepararse, aprender y crecer. Porque el talento abre puertas, pero es el trabajo de todos los días el que permite permanecer y seguir dejando huellas.

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